Отдел краеведческой информации

ЖИВЕТ В МЕНОВНОМ ХУДОЖНИК ВЕТЕРАН...

Есть в поселке Меновное аккуратный дом с резными ставнями и крыльцом. Лишь только подходишь к нему, невольно, благодаря таланту его хозяина - самодеятельного художника Липата Петровича Семина, оказываешься в атмосфере, насыщенной удивительным обаянием красок и образов. Здесь отрешаешься от суеты города.

Второй год подряд Липат Петрович принимает участие в выставке художников-ветеранов Великой Отечественной войны, проводимой в Восточно-Казахстанском Музее Искусств. И второй год подряд перед нашими глазами раскрывается удивительный мир красок, созданный этим художником. К работе над каждым своим произведением он подходит с широко открытой, по-детски искренней, любознательной душой, будь то резные - крыльцо, лавка, кровать или картина, писаная маслом.
Наблюдательность художника, этот живительный источник творчества, открывает перед ним дорогу к красоте, а непосредственность восприятия - к разнообразию и новизне впечатлений. Цветовая стихия его живописи построена скульптурно: цвет лепит объем, создает массу или творит равновесие. Таковы его натюрморты - любимый жанр художника. Сила цвета поднимает их в определенное пространственное бытие.
Несмотря на то, что Л. П. Семин никогда специально не учился живописи, он, как настоящий художник, не копирует действительность, а воспроизводит ее на полотне, руководствуясь своими ощущениями, создавая при этом живописное мерцание красок. Его картины полны живого и теплого чувства, непосредственны, эмоциональны, хотя в жизни это очень скромный человек, который рассказывает о себе сдержанно и не-многословно.
Родился он в мае 1922 года в селе Соловьево Зыряновского района, в семье колхозников. Его жизнь никак не была связана с искусством: в селе окончил 7 классов, в 19 лет пошел на фронт. Был трижды ранен. В 1944 году, из Восточной Пруссии, отправили его в военное училище на Урал, где и встретил окончание войны. Окончив училище, вернулся в Восточный Казахстан; здесь встретил свою будущую жену. Вместе, в любви и согласии, вырастили они четверых дочерей, дали им достойное образование. Везде, где доводилось работать солдату войны, трудился добросовестно, был в передовиках.
Нелегкими были послевоенные годы, но именно тогда поселилась в душе нашего героя тяга к прекрасному. В 1948 г. Липат Семин поехал в Москву, чтобы увидеть своими глазами Третьяковскую галерею. Но его собственный талант, яркий, самобытный, раскрылся только после того, как исполнилось Липату Петровичу 70 лет. Сначала - в робких, неуверенных рисунках для внука; и только затем появилось неукротимое стремление  изображать увиденное на полотне - роскошное цветение сирени, сверкающую ослепительной свежестью цветущую черемуху, солнечную щедрость подсолнуха, затаенный лиризм пейзажей берегов Иртыша.
Работает художник с жаром, смело кладет краски, безошибочно передавая мимолетное состояние, настроение природы, её поэтичность. И это тем более восхищает, ведь зрение у него отсутствует более чем наполовину. Эмоции, душевные откровения, на которые он скуп в обыденной жизни, одухотворяют его живопись.
Как многие требовательные к себе люди, Липат Петрович не считал свои картины произведениями искусства; без счета дарил их родным и друзьям. И только восхищенные отзывы, как некомпетентных зрителей, так и профессионалов, заставили его более объективно и серьезно взглянуть на свое творчество.
Художник уже несколько раз выставлял свои работы в Меновновской средней школе, а сейчас готовится к персональной выставке. К поставленной задаче, как и ко всему в жизни, он относится серьезно и ответственно, - за короткий промежуток времени создал немало интересных живописных работ.
Если бы люди не отваживались на серьезные поступки, считает Липат Петрович Семин, мы, право, были бы недостойны жить. Вся жизнь этого незаурядного человека и его удивительное творчество, внезапно и ярко раскрывшееся но второй половине жизни, подтверждают эти слова.

Я. Шматова  научный сотрудник Музея Искусств.

Потомственный художник и добродей Художник, по Ожегову, "Человек, который выполняет что-либо с большим мастерством и вкусом".

Виктор Сачков сын преподавателя сельской школы и талантливого художника Александра Емельяновича Сачкова.

Девятнадцатилетним пареньком ушел его отец на Великую Отечественную войну. Был неоднократно ранен, пережил все тяготы тех лет, но сохранил в душе стремление к красоте. После войны, по памяти, восстановил он события тога времени в своих произведениях, привил любовь к искусству своим детям. Рожденные на сказочно красивом прибрежье озера Маркаколь все Сачковы воспевают красоту окружающего мира. Дочь преподает в сельской школе рисунок, а сын сегодня - главный художник Парыгинского Дома культуры в Зыряновском районе. Неторопливые, степенные потомки деда Емельяна к чему ни прикасаются, все делают добротно и красиво. О самом деде, который жил в начале двадцатого века, до сих пор люди отзываются с теплотой. Немногословен был дед Емельян, но сердце имел доброе и руки золотые. Он был уверен, что только добро всесильно на земле. "Тебе злом, а ты добром...", - частенько говаривал старый Емельян своим детям.
Этот завет и несет по жизни Виктор Сачков, потомственный художник и Добродей. Запах краски и чудесные превращения на плоскости холста и бумаги знакомы Виктору с детства. Вместе с отцом, с этюдником на плече, исходил он прибрежье озера Маркаколь вдоль и поперек. Много открыл тогда ему отец житейской мудрости и профессиональных секретов.
В школе, в старших классах, познакомился Виктор с удивительной женщиной - Верой Ивановной Сокальской, дочерью дворянина, выпускницей института им. Репина. По воле рока, с маленьким сыном, попала она в Казахстанский край. Маленькая, вечно кутающаяся в старенькую шаль, с папиросой во рту, многим сельчанам она была непонятна. Поэтому жила особняком, работала в сельском Доме культуры и кинотеатре художницей. Виктор и баба Вера (так звали на селе дворянку) стали большими друзьями. Вера Ивановна передавала смышленому подростку свои знания и радовалась, видя, как жадно впитывает их Виктор. Он узнал от неё, что линия и пятно на плоскости всегда должны нести информацию. Не должно быть в картине ни одного случайного штриха. Именно детали в художественном произведении, как и в жизни, говорят о многом. Вера Ивановна иногда рассказывала ему о своей молодости, об учебе, о художниках и поэтах старого Питера. Запомнился Виктору рассказ о Маяковском, который, :чтобы удивить публику, мог появиться с раскрашенным лицом; половина - в красный, другая - в желтый. Именно она открыла ему, наряду с реальным видением мира, понятие абстрактного искусства. Тогда он научился читать мысли, заложенные художником в свое произведение. Это помогло ему в собственном творчестве. Особенно Виктору Сачкову удавалось передать образ и характер человека. Быть хорошим портретистом может далеко не каждый художник. Для этого, кроме таланта живописца, требуется острый взгляд, чуткое сердце, знания психологии и недюжинный ум. С гордостью говорит Виктор, что он прошел университеты Сокальской. Виктор никогда не расстается с живописью. Умеет он уловить характер и настроение, передать в цвете, композиции, в повороте головы, взгляде ту самую "изюминку", которая составляет сущность человека. Где бы ни был Виктор, - в армии, на далеком севере или дома, в Алексеевке, - он неустанно писал портреты, натюрморты, пейзажи. Активно участвовал в художественных выставках, проводил свои персональные вернисажи, поддерживал способных детей и взрослых, живущих рядом с ним. Нес всегда и сегодня несет он по жизни неизменный наказ деда Емельяна - любить людей и во всем видеть красоту.
Сачковы, отец и сын, стояли у истоков становления и были свидетелями расцвета ВК областного клуба художников-любителей "Самородок". Они были активными участниками многочисленных в советское время смотров и фестивалей искусств. Их творчество - пейзажи отца, портреты и семейные композиции, сюжетные картины сына - выгодно отличалось в экспозициях, было признано не только зрителями, но и отмечено почетными грамотами и наградами. Например, на одной из картин Виктора в серых тонах изображена улица, куда-то спешащая толпа. Справа на картине - молодой человек, который боковым зрением улавливает в серой толпе обрамленный в багет (рамку), выполненный в цвете, портрет красивой девушки. На другой картине В. Сачкова образы Василия Шукшина и Владимира Высоцкого. По Земле, на рассвете, босиком идут два великих человека, которые в жизни, может, и не знали друг друга, но их творчество и духовная сущность одна, у них одна цель и одна страсть - Искусство. Прекрасен и портрет отца!
Настали другие времена. В Алексеевке нет работы. Виктор с семьей переезжает в Зыряновский район. Супруга Зоя- балетмейстер. Им доверили Дом культуры. В самые Трудные времена не только сохранили супруги сельский очаг культуры, но возродили его. Содержать штат не было средств, пришлось вдвоем выполнять всю работу. Привлекли состоятельных людей района; на мизерные средства, порой вкладывая собственные, проводили интересные мероприятия. Своими руками ремонтировали и украшали свой Дом культуры. Открыли многочислен-ные кружки. А теперь здесь есть и сельский музей. Виктор ищет и находит старинные предметы и вещи, выполненные бабушками, приводит их в порядок. В экспозиции красуются русские домотканые дорожки, вышитые салфетки, скатерти и покрывала. Играет старинный патефон, и Парыгинские ребятишки с большим удовольствием ткут на старинном станке свои изделия. Вместе с детьми Виктор делает и раздает деревянных птиц счастья. Пацаны строгают и пилят, познавая тайны столярного ремесла. Мечтает Виктор показать и казахское искусство. Любимое детище педагога и художника - детская изостудия. Он гордится своими детьми. Каждый год привозит их работы на художественные городские и областные выставки. Старается дать детям знания об основах рисунка, живописи, композиции. Плановые мероприятия Дома культуры оформляются им красочно и с творческой, выдумкой, запоминаясь людям надолго. Ярко светит очаг культуры "в глуши забытого селения". Не славы ради, а для спасения детских душ, не покладая рук, работает талантливый художник и добрый человек Виктор Сачков.
Несколько лет тому назад ему пришла мысль открыть "духовный заповедник". А все началось с того, что в 1998 году захотел он поздравить детей села Парыгино с Новым годом, от имени Деда Мороза. Придумал, нарисовал, размножил на компьютере рисунок конверта для своего сказочного письма. Решил порадовать детей, прежде всего, неблагополучных, неимущих семей. Идею поддержала завуч сельской школы О. Н. Дмитриева. Посоветовавшись, решили они расширить акцию: собрали родителей и предложили им "сложиться" по 200 тенге и создали своеобразный фонд Деда Мороза. И в течение года он присылал письма и подарки каждому ребенку. На дни рождения дети получали оригинальные подарки, например, настоящее лукошко, полное лесных ягод, и конфеты в придачу.
По системе, придуманной Виктором, можно охватить детей не только одного села, но и всей области, республики. Своей идей художник и педагог призывает  состоятельных людей вложить капитал в благородное дело, в будущее не только своих детей, но и всей страны в целом. Цель проста, как все гениальное. Если вовремя поддержать детей и зажечь в их сердцах веру во Вселенское добро, то светлое будущее родителей и общества гарантировано.
Дальше творческое воображение художника рисует такую картину. В глубине девственного леса, на реке Тургусун, живет Дед Мороз со своими помощниками, оснащенными современной техникой и Интернет. Любой ребенок и взрослый может написать и получить в ответ не только электронные, но и простые письма. Для этого в почтовых отделениях открыты специализированные отделы, куда дети приносят и получают свои конверты с письмами, приобщаясь к чуду. При желании, дети со своими родителями могут приехать во владения Деда Мороза и увидеть своими глазами чудесный город, в котором живут мастеровые люди со всего света, и где они своими руками делают на глазах изумленной публики игрушки для детворы. Японские, китайские, американские, ка-захские и русские... А вокруг - огромный заповедник, в котором дети знакомятся с богатейшим животным и растительным миром Восточного Казахстана. Наблюдают за образом жизни диких зверей, рисуют с натуры гордых маралов, волков и медведей. Дети имеют возможность жить некоторое время среди чистой природы, купаться в лесном озере, дышать чистым воздухом заповедного края и Вселенского добра. А уезжая, каждый ребенок сажает дерево, чтобы через годы уже со своими детьми вернуться к нему. От Тургусуна начинаются туристические маршруты на Зайсан, Маркаколь и священную гору Белуху. Бороздят озера ослепительные яхты. Именно на территории Восточного Казахстана, у подножия Белухи, находится географический центр Евразии, поэтому две вершины горы, словно две великие культуры, имеют одну основу, растут от одного подножия... (Это теория Виктора Сачкова, и в ней что-то есть...).
В мечтах Виктора раз в год собираются дети со всего мира на чудесное превращение Деда Мороза в Деда Добродея. Это происходит тогда, когда сама природа просыпается от зимней спячки и возрождается, в день весеннего равноденствия - 22 марта - в Наурыз! Это грандиозное шоу с подарками, песнями - восточная фиеста!
Мечты, мечты... Но ведь именно мечтатели двигают мировой прогресс. Да, и знаменитый Санта Клаус ведь когда-то был реальным человеком, священником, который подкладывал обездоленным детям и нищим подарки под окна...
А сегодня художник Виктор Сачков пишет картины, а по ночам - письма детям. Так у Парыгинских детей появился добрый друг, с которым можно говорить обо всем, советоваться. И вот что пишут дети ему в ответ. "Хочу, чтобы лето было жарким, чтобы у всех двери были открыты в доме, на кухне, на веранде... Я хочу тебя увидеть. Ты летом нас пригласи на лесную полянку..." (Юра Мезенцев). "Пишет тебе маленькая девочка Лена. Я знаю, что ты существуешь. Больше всего в жизни я хочу, чтобы все жили хорошо и имели деньги...". А внучка Света пишет: "Получила Ваше письмо, большое спасибо. Дедушка, я обязательно посею ваши цветы... У меня хватит терпения и трудолюбия, чтобы вырастить до конца лета эти цветы. Сейчас я прилагаю все свои умения и усилия, чтобы принять участие в конкурсе на лучший рисунок...". "Я с удовольствием буду писать тебе письма и ждать от тебя ответа... Как ты сказал, Весна зовет нас делать добрые дела...", - пишет Сережа.
Вот такие письма получает художник и просто добрый человек Виктор Сачков. Он полон творческих замыслов и планов. Мечтает сделать персональную выставку в хорошем зале, а самое главное, он уже живет в сказочном мире Добродея. Его мечта реальна и осуществима, а самое главное, просто необходима всем нам.

Г.КУМАРГАЗЫ искусствовед, член Союза художников РК.

ПОСТИЖЕНИЕ ВЕЧНОСТИ

"Наверное, у каждого из нас наступает момент, когда стремишься разобраться в своей жизни, в событиях, происходящих вокруг, что есть в душе. Пытаешься понять, почему мы в этом мире, для чего, и что нужно сделать, чтобы не испортить этот мир, сохранить - словом, мыслью, делом. Добавить, конечно, красоты в этот мир сложнее..,", - так о своей первой персональной выставке сказала Елена Фомина, художник, без преувеличения, которому нет равных в Казахстане в той области прикладного творчества» где она созидает. Своим тонким искусством Елена Фомина приумножает красоту в нашем мире, а нам, зрителям, даёт импульс к сотворчеству.
Каждая её работа - это не законченное, завершённое нечто, а бесконечный процесс постижения бытия, настолько полотна насыщены символами, образами, множеством ассоциативных деталей. И всё это — из кожи. Елена Фомина — одна из немногих в Казахстане владеет сложной техникой этого прикладного искусства. Шаг за шагом - от бижутерии, других предметов аксессуара, она подошла к эпической живописи.
"Постижение вечности" — такое условное название можно дать выставке. Всего 24 работы. Но каждая из них -целый мир: завораживающие картины жизни Земли и Космоса.
В центре экспозиции выразительный авангардный глаз — все вопрошающее око. Оно проникает в тебя сакраментальным вопросом: Кто ты и что ты несёшь в этой вечности -добро, мир, разрушение, гордыню или любовь?
— Это глаз Ра, верховного божества Египта, - вносит ясность Лена, Он всё видит, замечает, он царит во вселенной, ему доступны самые мелкие людские поступки. Ведь каждый человек несёт ответственность за содеянное. Сделана эта работа ещё и как оберег. Такой вот символ, присутствующий в доме, охраняет жилище и покой людей.
Серия "Египет" - одна из самых выразительных, где преобладает не привычная для творчества Лены чёрно-белая графика, а цветная, радостная. Древние росписи на серых стенах гробниц, пирамид, царских покоев как бы оживают, наполняются энергией...
И мы реально ощущаем, как мчится в бой со львами в клубах пыли мужественный фараон Рамсес. Красавица Нефертити одевает лучшие свои наряды, чтобы предстать перед нами во всём блеске своей женственности. Завораживающий лик юного фараона Тутанхамона. Египет - загадки и тайны могучей культуры, с его магическими, сильными личностями. Повторить второй раз, на заказ, такое просто невозможно! Хотя случалось Елене, как с серией "Охотники прошлого", идти навстречу друзьям, ценителям искусства. Но всегда она привносит в уже знакомый сюжет какие-то штрихи, детали, незримо отличающие новое полотно от предыдущего.
"Охотники прошлого" в 1999 году экспонировались в Москве на международной выставке "Мексиканские мистерии и русские радости" и  произвели фурор. Эта серия полотен переносит нас в доисторические времена, имитируя петроглифы — наскальные рисунки.
Художники далёкого прошлого верили, что на рисунки—заклинания, высеченные на скалах, взирали боги, которые помогали им в охоте. И это так созвучно древним обрядам великих ацтеков, верящих в силу царящих повсюду духов.
Пять картин из серии "Охотники прошлого" недавно "уехали" в Германию вместе с близкими друзьями Елены — семьёй Эберли. Известный бард клуба "Зелёная карета" Юрий Эберли поведал нам о своих ощущениях, когда впервые увидел картины из кожи Е. Фоминой: "Мы познакомились с Леной совершенно случайно. Нам сказали, что в городе есть мастер, который делает такие уникальные вещи. А мы ехали в гости к сестре, решили сделать подарок. Пришли к Лене. Я не ожидал такого эффекта: ощущение было совершенно необычное - ощущение тепла, как будто картины живые. И мне не хотелось уходить из комнаты, где они находились: словно я грелся под лучами весеннего солнца. Мне захотелось, чтобы они и дальше были рядом со мной. Главное, чем они ценны для меня, это то, что я отношусь к этим картинам как к какому-то проводнику, ключу, который открывает дверь, через которую я соединяюсь с миром, с космосом, с Вселенной".
Мне тоже очень нравится серия "Охотники прошлого", особенно лист - с трогательными прожилками в квадрате красивой кожаной оправы. На этом оттиске памяти о давно ушедшей эпохе Мезолита бурлит неведомая жизнь, от самых первых этапов её развития, начиная с царства минералов, царства растений, животного мира до венца всего сущего - человека.
Творчество Елены Фоминой отличается не только глубиной постижения исторических вех на Земле, она смело приоткрывает нам невидимые тонкие миры. В этом плане особенно выделяется полотно "Дыхание бесконечности". Используя космогонический символ казахского орнамента, художник показывает рождение Вселенной, как из единой точки по спирали развёртывается жизнь. Контрасты светлого и тёмного подчёркивают двойственный характер мироздания, построенного на единстве и противопоставлении таких понятий, как день и ночь, добро и зло, инь и янь (мужское и женское начало).
Триптих "Обращение к истине" неизменно привлекает всех на выставке. Триптих очень реалистичен: с бурлящими потоками воды, с отражением солнечных бликов, с Башней Иакова, устремлённой в поднебесье. И в то же время, по мнению автора, здесь столько зашифровано: Мы стоим на Земле, но головой устремлены в небо, как центральная башенка устремлена в небо... У неё есть наклон, он не случаен, потому что перед нами всегда стоит вопрос: чему и кому мы верим — Богу или дьяволу, куда толкают нас наши устремления, к чему мы всё-таки обращаемся?
Картина "Двое. Разговор о любви и не только". Двое только встречаются, знакомятся друг с другом. Это мужское и женское начало. Оно представлено в центре композиции как раскрытая ракушка, а может быть, раскрытое сердце. Верхняя часть - мужское начало, а нижняя - женское. То, что между ними происходит, возможно, зарождение каких-то серьёзных отношений. Его символизирует зародыш - он там, в небесах, в тонких планах существует. Может, у них сложится, а может и нет".
Работа с кожей требует не только фантазии, изобретательности, но и немало физических сил, энергии, умения.
Я вижу, как ловко Елена управляется с обрезками кожи, как они вырисовываются в замысловатые детали, драпируются в единое целое. На моих глазах рождается новое живописное полотно из цветной кожи "Радуга".
Вообще цвет пришёл, несколько потеснив чёрно-белую графическую контрастную манеру, недавно - в работах "Времена года". Это четыре сложных в изготовлении миниатюры: "Зима", "Весна", "Лето", "Осень". Они остались у Лены только на фотографиях. Свежее дыхание весны с круп¬ными белоснежными цветками яблони на краю рамки, жаркие краски лета в живописном лесном сюжете. Осень - с щедрыми дождями и богатым урожаем, и зима - с хрустящим снегом, с запахом еловых шишек, которые тоже искусно выполнены из кожи и придают достоверную объёмность,
Серия "Времена года" хранится в фондах областного этнографического музея, который каждый год проводит уже ставшие традицией выставки прикладного искусства. Елена неизменно их участница.
В 1997 году она получила диплом такой выставки, посвященной Дню ООН, - "Традиционное искусство и ремёсла народов Казахстана". Хотя замечу, то, что делает Елена Фомина, далеко не традиция, а своё, новое, изобретённое, начиная от красителей различных оттенков, которые она долго подбирала для кожи. В серии "Египет" красители наносились, имитируя хорошую старину, с элементами интарсии — своеобразной инкрустации по коже. И даже батик - роспись по ткани она смогла привнести в создание необычных полотен. Тиснение, аппликация, оплётка, драпировка, пробивка, шнуровка и множество других техник, не имеющих ещё названий, легко и свободно используются художником, удивляя и восхищая нас.
Пример тому - один из последних циклов, "Воспоминания о коралловых островах". В пяти картинах, как в памяти,
всплывают прекрасные образы о незабываемом путешествии к таинственным островам, погружении в освежающие, прозрачные воды океана, где на дне можно разглядеть причудливые ракушки, водоросли, разноцветные кораллы, морские звёзды и даже обрывки рыбацких сетей.
Может, это сон, а может, воспоминания из прошлой жизни? Как знать!
Елена много читает философской сакральной литературы, трезво синтезируя приходящие знания. И свято верит, что мы не одиноки во Все-ленной, что есть другие миры, а значит, мы ответственны за всё, что делаем на своей Земле, в своей стране, в своём доме.
А Домом своим она гордится. И мама, и папа многое доброе передали ей, вдохнули в её душу. И студенческие годы  в Альма-матер - СДИ прошли на сильном профессиональными традициями архитектурном факультете. Работа в отделе главного архитектора города Усть-Каменогорска (1985-1991 годы) придала уверенности в дальнейшей самостоятельной деятельности.
Выставка посвящена безвременно ушедшему из жизни 20 лет назад отцу Степану Михайловичу Фомину. И то, что нет ничего случайного, подтверждает такой факт: директором музея, где состоялась выставка, оказался Альберт Ефимович Гофман, бывший начальник уранового цеха, где работал отец. Однажды, увидев работы Елены Фоминой, представители акционерного общество "Ульбинский металлургический завод" приобрели несколько картин: "Белуха - тайные врата" и "Безмолвная песня неба". После этого последовало предложение открыть выставку в музее завода. И это замечательно, ведь истинные художники, как правило, материально не крепко стоят на ногах, чтобы осуществлять творческие полёты.
Трудно представить, но факт, что такой тонкий художник, как Елена Фомина, у которой в цене каждая минута (она еле успевает за собственными идеями, проектами), бездарно тратит время на хождение по Second-Handам в поисках материала подешевле, качественней и фактурней... Когда художники подобного уровня за рубежом творят в комфортных условиях, да из мягкой, легко податливой кожи.
Но Елена Фомина не сетует на жизнь. Потому что, несмотря на все испытания, которые выпали ей, она награждена свыше божественным творческим даром — привносить красоту в этот мир, а значит, делать жизнь всех нас ещё радостней и ярче.

В.Лазарева

"МОИ КАРТИНЫ - ЭТО МОЕ НАСТРОЕНИЕ, МОИ МЫСЛИ И ФАНТАЗИИ"

Кайсан Кадырбеков

"Талант - это поручение, которое должно исполнить любой ценой, и собственная жизнь для этого только средство".
Евгений Баратынский.

С первых слов беседы с устькаменогорским художником Кайсаном Рахметовичем Кадырбековым мне стало ясно, что все его помыслы связаны с этим поручением, что оно у него в крови.
Талант к рисованию проявился у него с раннего детства, после того как в аул Туюк Тарбагатайского района Восточно-Казахстанской области в 1956 году впервые приехал фотограф -четырехлетний мальчик так впечатлился семейной фотографией, что сразу нарисовал портрет мамы, затем отца, друзей. И прослыл в ауле художником.
Но все, же решающей оказалась встреча с первым в своей жизни профессиональным художником, выпускником Саратовского художественного училища Иваном Петровичем Спириным. Именно по его совету 14-летний Кайсан поступает в Алма-Атинское художественное училище им. Гоголя, где получает специальность художника- оформителя.
После окончания училища и службы в армии приехал в Усть-Каменогорск и работал по своей специальности на "Востокмашзаводе", затем, почти четверть века, - на крупнейшем промышленном предприятии "Казцинк". Сейчас К. Кадырбеков работает художником-постановщиком и главным художником казахской труппы в областном драматическом театре им. Жамбыла.
Настоящим подарком судьбы стала для него встреча в молодые годы с необыкновенной женщиной - Любовью Николаевной Сокольской, которая училась живописи в Петербурге, в мастерских великих русских художников  М. Врубеля и И. Репина. Она лично была знакома со многими художника-ми, творившими на рубеже 19-20 веков. После Октябрьской революции, Сокольская, как дворянка, была сослана в Восточный Казахстан.
Дружба молодого Кайсана с этой удивительной пожилой женщиной помогло ему понять, что художник обязан выразить себя как можно более полно, и тогда он никогда не умрет. Если он искренний и человечный созидатель, он всегда найдет отклик в последующих поколениях.
И теперь уже сам К. Кадырбеков, как профессиональный художник, говорит: "Мои рисунки и мои картины - это часть и меня самого. Их совокупность -это Кайсан Кадырбеков. Произведение представляет его автора, выражает, увековечивает. Я могу сказать также, что мои картины - это мое настроение, мои мысли и фантазии".
В начальный период творчества художника больше всего привлекали жанры пейзажа и портрета. Довольно было свежевспаханного клочка земли, обычного дерева, камня, любого, козалось бы, ординарного явления или предмета и, тем более, интересного человека, чтобы в нем вспыхнуло творческое озарение. Он без устали изучает натуру. Художник, который не изучил натуру, никогда не сможет овладеть тем языком, на котором он должен говорить, никогда не услышит музыки цвета и не станет музыкантом.
Он смело работает с цветом, используя возможности национального колорита. По собственному опыту знаю, что мы невольно забываем об огромном воздействии цвета. Ведь можно акцентировать необходимые доминанты, можно объединить разнохарактерное, можно, наконец, просто красивым сочетанием цветов создать эмоциональное напряжение. Художнику все подвластно.
Свои серьезные произведения К. Кадырбеков начал выставлять с 1993 года. Тогда же он обращается к теме истории и культуры казахского народа. Это отразилось в произведениях "Последний казахский хан Кенесары Касымов. Последний поход", "В поисках истины", "Тайное свидание", которые отличаются тематическим разнообразием, высоким профессиональным уровнем, яркими национальными чертами. Видно, что художник, прекрасно зная историю, занимаясь этнографией, насыщает свое искусство художественной эмоциональностью и убедительной исторической конкретностью. Его образы человечны и величественны; одновременно с этим он создает образ свободы, воплощает силу и мощь народных масс. Мастер, сохраняя национальный характер и настроение, проявил при этом свою творческую индивидуальность. Ведущими цветовыми сочетаниями у художника, также как в казахском прикладном искусстве, являются темно-коричневый или черный рисунок орнамента на интенсивно красном или холодно-синем и сером фоне.
Особенности творчества мастера, такие как мечтательность, стремление раскрыть образ человека не только через действия, а через состояние, равно объемлющее героев и окружающие их природу и обстановку, отразилось в работе "Песнь казачья".
Триптих "Молодость. Зрелость. Старость" имеет несомненный смысл добро, который художник вложил в него посредством кисти и философского видения мира. В нем увлечение мастера эмоционально-красочной стороной образа, декоративностью. Он заключает в себе мотивы и приемы, почерпнутые в народном творчестве. Кроме того, художник предложил иной уровень диалога со зрителем. Эпической предпосылкой такого диалога стали серьезность взгляда художника на всю жизнь, зрелость его гражданской позиции, высокая мера требовательности к своему творчеству, страстная заинтересованность в ответной душевной реакции. Глядя на этот триптих, вспоминаешь восточную мудрость: "Единственное время, в которое нужно жить - сейчас; единственное место, в котором нужно жить, - здесь".
С самого начала мне было ясно, что не будь К. Кадырбеков открыт и добр душой, вряд ли бы ему удалось так глубоко и ярко отразить в художественных произведениях - "Мое детство", "Портрет отца" - наше время. Время, которое столь быстротечно. Время, которое проходит через сердце и душу художника.
При всем своем жизнелюбии К. Кадырбеков, как чуткий художник, не мог не ощутить драматизм событий конца 20 века. В его творчестве появились грустные, трагичные ноты; это чувствуется в работе с глубоким философским подтекстом - "Раздумье". Он размышляет не только о судьбе отдельного человека, но судьбах народов и мироздания. Этим, по-видимому, объясняется его интерес к истории, обращение к темам человека и сил природы.
В 1998 году ректор Средне-Азиатского Университета предложил ему большое помещение для мастерской. Об этом К. Кадырбеков говорит с большой благодарностью и добавляет: "Для настоящего художника день, проведенный вне мастерской, понапрасну потраченное время. Когда бремя забот и обязанностей надолго отрывает от мастерской, приходит злость и раздражение. Работать художнику необходимо каждый день, но не всегда получается. Большое спасибо и моей жене, которая поддерживает меня во всем, дает полную свободу и в то же время довольно критически относится к моим работам, помогает советом".
В 2002 году в ВК Музее Искусств с большим успехом прошла персональная выставка К. Кадырбекова. На ней невозможен был стиль беглого осмотра. Здесь возникала атмосфера душевного разговора с художником, умным, прозорливым и абсолютно искренним в попытке глубоко и непредвзято разобраться в сложных процессах действительности и человеческой психологии. Его картины жизнеспособны и оригинальны. Мажор, грусть, печаль и драматизм сюжета художник передает с таким мастерством, что объяснять уже ничего не надо. Живопись - его стихия, праздник души, фейерверк цвета и эмоций, выплеснутых щедрой кистью на поверхность холстов.
Как человек, Кайсан Рахметович Кадырбеков - идеалист, любознательный и доброжелательный романтик. Внутренняя собранность, безошибочно угадываемая в его элегантном внешнем виде, свидетельствует о постоянной заполненности его души замыслами и планами, непрекращающейся интеллектуальной работе. Его ум всегда свеж, молод, полон жизни и страсти.

Я.Шматова ВК Музей Искусств

МНОГОЦВЕТИЙ БОЛАТА ИСИНА

Алтайский край взрастил не один десяток талантливейших художников, каждый из которых заслуживает отдельного повествования. Сегодня мы рассказываем о творчестве живописца Болата Каримовича Исина, члена Союза художников Республики Казахстан, первого лауреата премии акима ВКО 2000 г.

И повод для нашего рассказа значимый: в октябре 2002 года, в этнографическом музее, художник представил на суд зрителей свою юбилейную выставку. На вернисаже собрались друзья и почитатели его таланта, говорили много теплых слов, от души радовались за художника и человека, который сумел сберечь и преумножить свой природный дар видеть и чувствовать окружающую жизнь тоньше и глубже других.
Условно, представленные в экспозиции картины можно разделить на классический реализм и современный абстракционизм. Его пейзажи -Туман", "Утро в горах", "Новый день", "Зима" и, особенно, "Белое безмолвие" открывают зрителю академизм русской школы реализма, профессионализм и тончайшее восприятие художником окружающей его природы. Горные пейзажи Болата Исина объединяет очень высокая линия горизонта, от этого у зрителя возникает ощущение полета над горами и захватывает дух. Художник умело передает свое восхищение осенним горным ландшафтом, бликом солнечного луча на ровной глади горной воды, пробившего плотные кучевые облака. Глядя на картину "Белое безмолвие", ощущаешь себя высоко в горах (на священной Белухе), где нет ни единой живой души, только горы и вечные снега. И вдруг тяжелое белое облако грузно переваливается с одной вершины на другую, гулко разнося шум снежного обвала, и снова тишина... Именно этот миг движения мастерски передал художник в "Белом безмолвии". На другом холсте мастера зрителя завораживает звенящая 'Тишина". Раннее утро. Туман. Проблеск над землей по центру холста, - то ли облако это, то ли выпавшее и парящее перо неведомой птицы, а пересекает его травинка-соломинка, а может, божественное сказочное существо, словно первый крик сонной птицы, возвещающее о начале нового дня.
В музейной тишине переходим к небольшим по размеру картинам, оформленным в широкий багет. И видим туман, стелящийся вдоль утренней заросшей аллеи, в одноименной картине, написанной в манере старых голландских мастеров. Невозможно понять, как смог художник на плоскости холста передать такую глубину воздушной перспективы.
Виртуозно написана картина, скромно названная, - "Пейзаж". Заросшая, разбитая проселочная дорога в летнем лесу, освещенная солнцем так, что земля, кажется, играет всеми оттенками фиолетового цвета. Зной и прохлада в тени деревьев. Здесь мазки энергичны и жизнеутверждающи. А рядом - картина "Зимовье", в которой пирамиды остроконечных елей лишь подчеркивают сине—сиреневую дымку утреннего тумана Горной Ульбинки.
Картины Болата Исина выделяются в любой экспозиции. Они запоминаются и западают в душу даже неискушенного зрителя. Мне это довелось наблюдать в канувшем в Лету выставочном зале Дома Художников. Зрители возвращались к его картинам и подолгу стояли, вглядываясь в лирические пейзажи, абстрактные композиции, прозрачные акварели и насыщенные цветом работы, выполненные темперой. Все его картины объединяет тонкий колорит, продуманная композиция и точно подобранный цвет. Двухмерное пространство холста и бумаги наполнено воздухом и светом. Художник цветом, линией, особым построением композиции может обозначить и донести до зрителя философию жизни.
Иметь свое лицо, быть признанным и узнаваемым - это непростая задача в изобразительном искусстве. Болату Исину это удается. Он работает в разных видах и жанрах. Любит художник и акварель. Причудливые переходы чистого цвета капризной акварели из одного в другой создают неповторимую музыку Цвета. Несочетаемыми, казалось бы, красками кисть мастера послушно создает неповторимую цветовую гармонию.
Акварель - сложнейшая техника в живописи. Немногие мастера мировой культуры оставили свой след именно в этой технике. И это не только по-тому, что материал недолговечен, а потому что акварель капризна и не терпит переписывания, требует точного попадания цвета с первого раза. Акварели в юбилейной экспозиции Болата Исина написаны широким мазком, он смело экспериментирует в этюдах "Любимые мелодии" (в трех частях), "Утро". В пейзажах он точно передает не только состояние природы, но и души художника. Запоминаются акварели "Оттепель", "Проталины", "Элегия", "Зимний пейзаж", этюды и натюрморты.

Есть в юбилейной экспозиции акварель, не побоюсь сказать, мирового уровня. Она называется "Дыхание весны" и написана в 1987 году. На большом листе бумаги нет случайных мазков, все точно выверено и прописано. Цвет прозрачен, а композиция совершенна. Художник показал панораму зимнего леса у реки. В этой акварели художнику удалось не только передать состояние времени года, красоту укромного уголка, но и показать возможности сложнейшей техники акварели. Мастерство художника - в размытых пятнах озерца на переднем плане и тумане, окутавшем картину, вплоть до мельчайших деталей в глубине леса. Тонко и с любовью прописанные детали заснеженной дороги, встрепенувшиеся ветки стылых деревьев и птица, сидящая у воды, - все в картине подчинено единому замыслу художника.
Болат Исин не просто пейзажист, но ищущий, думающий художник. Его волнуют перемены в обществе, его тревожит бездушие. В своем творчестве он размышляет, в частности, о влиянии золотого тельца на души людей. "Охота на тельца", - так называется одна из картин в юбилейной экспозиции. Цветовыми пятнами, трепещущими, как волны, на холсте показывает художник свое отношение к бесконечному, заколдованному, изнуряющему гону за золотым тельцом - богатством. Тревожные линии и мерцающий, обманчивый цвет (художник применил технику пуантилизма - мазки в виде точек) вызывают у зрителя желание разгадать смысл, заложенный в картине. Нет мазков, только тысячи цветовых пятен, пробуждающих игру воображения у зрителя. Эта ранняя картина из серии его абстрактных работ.
В картинах "Угроза" и "Зной" (1989 г.) художник уже скупыми изобразительными средствами, в одном цвете, на полутонах говорит о нравах и традициях своего народа. Опрокинутый казан и стрела, пущенная врагом, на одной картине, а на другой - священная, степная птица-удод на мазарной плите предков. Плита надгробная уже слилась с цветом бескрайней степи, и лишь маленькая яркая птица-удод - единственное живое существо в округе, возвещающее о торжестве жизни. Удод почитается на востоке: считается, что он свободно перелетает из одного мира в другой.
Б. Исин не останавливается на достигнутом, он постоянно учится, все глубже постигая тонкости живописи и восстанавливая полузабытые секреты народного искусства. Он, как никто другой в нашем регионе, знает тонкости национального орнамента, его значение. Он много читает и имеет богатую библиотеку.
Художник не боится экспериментировать, прибегая к орнаментальной стилизации. Ярким образцом этого являются картины "Охотник с птицами", "Перед дорогой", "Нежность", "Ак жол". Последняя работа экспонировалась на выставке Первого Международного фестиваля искусств "Мастер-Класс 2000" в Алматы, где ему был присужден диплом в номинации "Многоцветие Шелкового пути". Экспертный совет, в состав которого входили серьезные художники из Санкт-Петербурга, Москвы, Ташкента и Алматы особо выделили творчество устькаменогорского художника.
Родом из с. Маканчи Восточно-Казахстанской области Болат Исин уже много лет успешно работает в г. Усть-Каменогорске. Здесь прошли его многочисленные художественные выставки, здесь художник занят творческой работой в ТОО " Терме", где он со своей супругой Куляш Акашевой, тоже членом Союза художников Республики Казахстан, вот уже много лет возрождает и развивает казахское национальное искусство. Чапаны, расшитые мастерицами из ТОО 'Терме" по эскизам Б. Исина, не стыдно набросить на плечи Президента республики или подарить самым высоким гостям. Основное направление работы художественно-производственного предприятия - изучение и воссоздание национальной одежды. Каждый заказ проходит творческое, всестороннее обсуждение. Главный художник Болат Исин следит за тем, чтобы ни один элемент орнамента не был псевдонародным. Открыт трикотажный цех, мастерицы которого участвовали в различных дефиле и на Милениум Пати в Астане впервые представили национальную одежду и вечерние трикотажные платья. В апреле 2001 года коллектив фирмы "Терме" стал лауреатом Республиканского фестиваля "Казастаннын белгиси" в Астане и получил "Золотой знак качества" за швейные и трикотажные изделия.
Производственной фирмой "Терме" выполнено внутреннее оформление и изготовление предметов прикладного искусства в отделе казахской этнографии областного музея, Доме-музее Ч. Валиханова в селе Сырымбет Кокчетавской области, усадьбе великого Абая в Жидебае под Семипалатинском. В Алматы был выигран тендер на пошив национальных костюмов для районных ДК, к юбилею Жамбыла. Усть-Каменогорский казахский театр с удовольствием использует в своих спектаклях театральные костюмы, пошитые в "Терме".
Наряду с производственными делами не забывает Болат Исин и художественное творчество. Имея свою творческую мастерскую в Доме художников, долгими ночами, по выходным, он наслаждается поиском сочетаний цвета в своих композициях. Художник в вечном движении. Он играет цветом, формой, использует новые материалы. Не забывая классические формы живописи, находит современные способы самовыражения. И всегда, при растущем мастерстве, неизменной остается сущность художника, его любовь к родной земле.

Г.КУМАРГАЗЫ
член Союза художников РК, искусствовед.

СЛОВНО СОЛНЦЕМ ОЗАРЕННЫЙ...

Он много и успешно работал, хотел многое успеть. Но неожиданно жизнь Марата Жунусова оборвалась. Остались только его картины и воспоминания о нем...
Тяжело говорить о друзьях детства в прошедшем времени. В далекие 60-е годы при Доме пионеров существовала Страна Детства. Там велась кропотливая ежедневная работа по воспитанию у детей чувства любви к Родине, к прекрасному, к творчеству, умению активно и плодотворно жить и работать. Каждое лето выезжали юные художники на пленэр, спортсмены - в летний оздоровительный лагерь. Иногда это совмещали, и такие выезды запоминались ребятам на долгие годы: песни у пионерских костров, печеная картошка, спортивные победы, прикосновение к Природе, яркие этюды.
Мы, малыши, с благоговением смотрели на своих старших друзей: Толик Меркасимов, Толик Щур, Витя Псарев, Гена Прокопович, Леня Зайцев, Оля Кузнецова и Марат Жунусов. Они, на равных со своим Учителем Ефимом Наумовичем Годовским, рассуждали о цвете, композиции, сюжете. До хрипоты спорили у летних костров и до одури писали этюдь! на пленэре, и так же ответственно, как натюрморты в студии. Славно они трудились и умели от души повеселиться. А Ефим Наумович, прищурив глаза с хитринкой и облокотившись на свой костыль, внимательно их слушал да одергивал иногда. Было видно, как он гордится своими учениками. Что бы ребята ни делали, разговор всегда возвращался к обсуждению художественных работ или статьи, кем-то прочитанной. А то вспоминали великих художников и говорили об их творчестве, размышляя вслух, стараясь перещеголять друг друга в изысканных выражениях и профессиональных словечках. При этом добродушно наблюдали, как мы, малыши, старались не пропустить ни единого их слова.
Много воды утекло с тех пор. Толика Меркасимова уже тоже нет, но работы его хранятся в фондах Государственного музея имени Кастеева и Дирекции художественных выставок в г. Алматы, в частных коллекциях в Москве, Ленинграде, Алматы, Усть-Каменогорске. Виктор Псарев в Москве, работает в знаменитой студии имени Грекова. Ольга Кузнецова тоже в Москве. Марат Жунусов жил в Караганде и в редкие свои приезды в родной Усть-Каменогорск привозил нам каталоги о своих выставках в Германии и Караганде. Анатолий Щур и Леонид Зайцев творят в тиши своих мастерских, готовя свои персональные выставки и думая о том, что скоро будет столетний юбилей Ефима Наумовича Годовского. Мы мечтаем собрать работы всех студийцев и в память о нем сделать выставку "Учитель живет вечно!"
Марат Жунусов, о котором сегодня хочется рассказать особо, родился 3 января 1947 года в Усть-Каменогорске. После школы, в 1962 году поступил в единственное тогда в Казахстане Алматинское художественное училище, Учился у знаменитых живописцев А. Галимбаевой и М, Кенбаева. Приезжая на каникулы домой, в первую очередь, шел в Дом пионеров к Ефиму Наумовичу Годовскому, чтобы показать новые работы, поделиться новостями и посоветоваться о будущем. Ведь Ефим Наумович не всегда был руководителем детской художественной студии. Когда-то он блистал в художественных кругах Москвы. Потом воевал в той страшной Великой Отечественной войне. Работал декоратором в Большом театре. Он, как никто другой, мог указать правильный путь в выборе следующего шага своему ученику. Поэтому после пяти лет обучения в училище, Марат поступил в Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. Репина в класс профессора А. Зайцева. Штудировал тонкости школы русского реализма, увлекаясь абстракционизмом. В Ленинграде, на улицах и площадях, в тишине музеев и мастерских современных художников, где работали мэтры, шел непрерывный процесс обучения парня из далекого Казахстана, В 1974 году он уже сам преподавал в Алматинском художественном училище. Через год уехал с семьей в Караганду и редко, только в гости, приезжал к нам в Усть-Каменогорск. Чаще он ездил в Германию, Питер.
Я открыла для себя художника Марата Жунусова в 2000 году, в Центральном выставочном зале г. Алматы, во время проведения там персональной выставки семипалатинского художника Г. Макарова. В соседнем зале экспонировалась выставка работ Карагандинских художников и среди них - картины Марата. Тогда меня поразила его животрепещущая живопись. Нервные мазки создавали вихрь на плоскости холста, словно хотели вырваться за пределы картины, художник о чем-то громко и надрывно мне говорил, а я была ошеломлена и ничего не понимала. Буйство и контраст цвета, острые углы линий и много черного в его картинах... Я помню его студийные работы, полные света и добра. Марат из моего детства, такой спокойный и веселый парень, и автор этих работ были совершенно разные люди. Организаторы той выставки может случайно, а может, и нет, выбрали самые яркие и динамичные его работы последних лет. Такого Марата я не знала...
А теперь я брожу в тишине зала музея искусств, где экспонируется вторая по счету его персональная выставка в родном Усть-Каменогорске. Здесь есть и незначительные работы художника, в которых прослеживается явное влияние Шагала, Сезана, Сарьяна. И, конечно же, работы, в которых мастерство, идея и стиль только Марата Жунусова.
"Осенний этюд" (1986 г.) написан в лучших традициях реалистической школы. В этой работе чувствуется покой и  чистота раннего периода творчества художника. Вместе с автором зритель любуется совершенством и красотой природы, Полотно очень похоже на студийные работы молодого художника, времен Ефима Наумовича Годовского, но "Осенний этюд" написан уже мастером ленинградской школы. Проходят годы, и в 1991 - ом художник начинает настойчиво работать над темой Солнца. В отличие от общепринятого воспевания казахстанскими художниками восточной луны и всего, что с этой темой связано, Марат пишет яркое Солнце, в его картинах присутствует торжество света и жизни. В данной экспозиции представлены две работы под одним названием "Жители Солнца". Почему жители Солнца? Не оттого ли, что он сам жил, словно солнцем озаренный? С ним рядом всегда было тепло и радостно. На картинах видим летящие к Солнцу тела — протуберанцы. Они в вечном движении, их лики повернуты к зрителю, они пристально, но по-доброму смотрят на нас, словно прощаются. Художнику удалось передать удивительное ощущение полета бестелесного духа и чистой своей фантазии.
Этого вечного движения к свету, теплу и добру. Видно, не случайно он снова и снова обращается к этой теме. Но не бывает в этом мире яркого света без кромешной тьмы. Картины ;'В плену", "Генри Фольгер", написанные в 1996 г., говорят об особенной тревожности этого периода для всей страны и самого художника. Темный колорит, тревожные, гротесковые, ломаные линии в этих работах по особенному подчеркивают свет на солнечных работах в экспозиции Марата Жунусова.
А картина под названием "Люди в тумане" говорит о поиске художником своих корней. Кто мы, откуда и зачем пришли? Еще есть проблески солнечных, пятен на скорбных лицах героев, но всю картину заволакивают тучи сомнений и переживаний образов, написанных художником, хаосом случайных пятен и скупостью колорита. Во всем ощущается тяжелый поиск истины самим автором, его личные сомнения и переживания. В том же году написана одна из самых серьезных работ в данной экспозиции, под названием "Три горы". Большого размера, вытянутая горизонтально, картина захватывает внимание зрителя сразу. Загадочные знаки на холсте, словно случайные символы, яркие пятна, при близком рассмотрении не о чем не говорящие. И лишь при пристальном рассмотрении с определенного расстояния оживают на холсте горы, наскальные рисунки, плывут куда-то облака, создавая на полотне марево движения, ощущается дыхание чистого горного воздуха. Угадываются очертания наших восточноказахстанских гор. Как же он, видно, тосковал по своей Родине, по нашим сказочным горам! Это могут быть Сибины или горы Аиртау, в простонародье называемые Монастырскими, а может быть, это Горная Ульбинка, куда в детстве каждое лето вывозил Ефим Наумович своих учеников, на незабываемые пленэры. На картине резкий склон горы пересекает холст почти из угла в угол, на ней ломаной линией нарисованы вершины гор, и словно плывут через них века - пушистые облака, цветными пятнами приоткрывая тайну неразгаданных рисунков на скалах. Другая, не менее значимая картина в экспозиции Марата Жунусова, называется "Аттила - вождь гуннов". Из темноты холста, словно из глубины веков, нарочито по-школярски написан художником знаменитый предок казахов, пред-водитель гуннов с 434 г., дошедший до Рима, При нем гуннский союз племен достиг наивысшего могущества. А это - прямые предки современных казахов. В картине ощущается гордость за своего предка.
Особо хочется отметить работу под названием "Поцелуй", написанную художником в 1999 г. Сюжет картины прост. Мальчик лежит на крыше, где только он, небо и его любимая птица. В свободной позе хозяина и властителя кормит он свою сказочную птицу, похожую на голубя. Лицо малыша светится блаженством, и слышится из глубины холста нетерпеливый "говор" птицы. Картина играет всеми цветами радуги, наполнена светом, воздухом и высотой неба. От полотна веет теплотой и счастьем безмятежного детства! Таким и останется у нас в памяти художник Марат Жунусов, родившийся и прошедший школу Ефима Наумовича Годовского в Усть-Каменогорске и потом, во взрослой жизни, изредка приезжавший в свой родной город в гости.

Г. КУМАРГАЗЫ
член Союза художников Республики Казахстан. Искусствовед