Изобразительное искусство

Отдел краеведческой информации - Изобразительное искусство

МНОГОЦВЕТИЙ БОЛАТА ИСИНА

Алтайский край взрастил не один десяток талантливейших художников, каждый из которых заслуживает отдельного повествования. Сегодня мы рассказываем о творчестве живописца Болата Каримовича Исина, члена Союза художников Республики Казахстан, первого лауреата премии акима ВКО 2000 г.

И повод для нашего рассказа значимый: в октябре 2002 года, в этнографическом музее, художник представил на суд зрителей свою юбилейную выставку. На вернисаже собрались друзья и почитатели его таланта, говорили много теплых слов, от души радовались за художника и человека, который сумел сберечь и преумножить свой природный дар видеть и чувствовать окружающую жизнь тоньше и глубже других.
Условно, представленные в экспозиции картины можно разделить на классический реализм и современный абстракционизм. Его пейзажи -Туман", "Утро в горах", "Новый день", "Зима" и, особенно, "Белое безмолвие" открывают зрителю академизм русской школы реализма, профессионализм и тончайшее восприятие художником окружающей его природы. Горные пейзажи Болата Исина объединяет очень высокая линия горизонта, от этого у зрителя возникает ощущение полета над горами и захватывает дух. Художник умело передает свое восхищение осенним горным ландшафтом, бликом солнечного луча на ровной глади горной воды, пробившего плотные кучевые облака. Глядя на картину "Белое безмолвие", ощущаешь себя высоко в горах (на священной Белухе), где нет ни единой живой души, только горы и вечные снега. И вдруг тяжелое белое облако грузно переваливается с одной вершины на другую, гулко разнося шум снежного обвала, и снова тишина... Именно этот миг движения мастерски передал художник в "Белом безмолвии". На другом холсте мастера зрителя завораживает звенящая 'Тишина". Раннее утро. Туман. Проблеск над землей по центру холста, - то ли облако это, то ли выпавшее и парящее перо неведомой птицы, а пересекает его травинка-соломинка, а может, божественное сказочное существо, словно первый крик сонной птицы, возвещающее о начале нового дня.
В музейной тишине переходим к небольшим по размеру картинам, оформленным в широкий багет. И видим туман, стелящийся вдоль утренней заросшей аллеи, в одноименной картине, написанной в манере старых голландских мастеров. Невозможно понять, как смог художник на плоскости холста передать такую глубину воздушной перспективы.
Виртуозно написана картина, скромно названная, - "Пейзаж". Заросшая, разбитая проселочная дорога в летнем лесу, освещенная солнцем так, что земля, кажется, играет всеми оттенками фиолетового цвета. Зной и прохлада в тени деревьев. Здесь мазки энергичны и жизнеутверждающи. А рядом - картина "Зимовье", в которой пирамиды остроконечных елей лишь подчеркивают сине—сиреневую дымку утреннего тумана Горной Ульбинки.
Картины Болата Исина выделяются в любой экспозиции. Они запоминаются и западают в душу даже неискушенного зрителя. Мне это довелось наблюдать в канувшем в Лету выставочном зале Дома Художников. Зрители возвращались к его картинам и подолгу стояли, вглядываясь в лирические пейзажи, абстрактные композиции, прозрачные акварели и насыщенные цветом работы, выполненные темперой. Все его картины объединяет тонкий колорит, продуманная композиция и точно подобранный цвет. Двухмерное пространство холста и бумаги наполнено воздухом и светом. Художник цветом, линией, особым построением композиции может обозначить и донести до зрителя философию жизни.
Иметь свое лицо, быть признанным и узнаваемым - это непростая задача в изобразительном искусстве. Болату Исину это удается. Он работает в разных видах и жанрах. Любит художник и акварель. Причудливые переходы чистого цвета капризной акварели из одного в другой создают неповторимую музыку Цвета. Несочетаемыми, казалось бы, красками кисть мастера послушно создает неповторимую цветовую гармонию.
Акварель - сложнейшая техника в живописи. Немногие мастера мировой культуры оставили свой след именно в этой технике. И это не только по-тому, что материал недолговечен, а потому что акварель капризна и не терпит переписывания, требует точного попадания цвета с первого раза. Акварели в юбилейной экспозиции Болата Исина написаны широким мазком, он смело экспериментирует в этюдах "Любимые мелодии" (в трех частях), "Утро". В пейзажах он точно передает не только состояние природы, но и души художника. Запоминаются акварели "Оттепель", "Проталины", "Элегия", "Зимний пейзаж", этюды и натюрморты.

Есть в юбилейной экспозиции акварель, не побоюсь сказать, мирового уровня. Она называется "Дыхание весны" и написана в 1987 году. На большом листе бумаги нет случайных мазков, все точно выверено и прописано. Цвет прозрачен, а композиция совершенна. Художник показал панораму зимнего леса у реки. В этой акварели художнику удалось не только передать состояние времени года, красоту укромного уголка, но и показать возможности сложнейшей техники акварели. Мастерство художника - в размытых пятнах озерца на переднем плане и тумане, окутавшем картину, вплоть до мельчайших деталей в глубине леса. Тонко и с любовью прописанные детали заснеженной дороги, встрепенувшиеся ветки стылых деревьев и птица, сидящая у воды, - все в картине подчинено единому замыслу художника.
Болат Исин не просто пейзажист, но ищущий, думающий художник. Его волнуют перемены в обществе, его тревожит бездушие. В своем творчестве он размышляет, в частности, о влиянии золотого тельца на души людей. "Охота на тельца", - так называется одна из картин в юбилейной экспозиции. Цветовыми пятнами, трепещущими, как волны, на холсте показывает художник свое отношение к бесконечному, заколдованному, изнуряющему гону за золотым тельцом - богатством. Тревожные линии и мерцающий, обманчивый цвет (художник применил технику пуантилизма - мазки в виде точек) вызывают у зрителя желание разгадать смысл, заложенный в картине. Нет мазков, только тысячи цветовых пятен, пробуждающих игру воображения у зрителя. Эта ранняя картина из серии его абстрактных работ.
В картинах "Угроза" и "Зной" (1989 г.) художник уже скупыми изобразительными средствами, в одном цвете, на полутонах говорит о нравах и традициях своего народа. Опрокинутый казан и стрела, пущенная врагом, на одной картине, а на другой - священная, степная птица-удод на мазарной плите предков. Плита надгробная уже слилась с цветом бескрайней степи, и лишь маленькая яркая птица-удод - единственное живое существо в округе, возвещающее о торжестве жизни. Удод почитается на востоке: считается, что он свободно перелетает из одного мира в другой.
Б. Исин не останавливается на достигнутом, он постоянно учится, все глубже постигая тонкости живописи и восстанавливая полузабытые секреты народного искусства. Он, как никто другой в нашем регионе, знает тонкости национального орнамента, его значение. Он много читает и имеет богатую библиотеку.
Художник не боится экспериментировать, прибегая к орнаментальной стилизации. Ярким образцом этого являются картины "Охотник с птицами", "Перед дорогой", "Нежность", "Ак жол". Последняя работа экспонировалась на выставке Первого Международного фестиваля искусств "Мастер-Класс 2000" в Алматы, где ему был присужден диплом в номинации "Многоцветие Шелкового пути". Экспертный совет, в состав которого входили серьезные художники из Санкт-Петербурга, Москвы, Ташкента и Алматы особо выделили творчество устькаменогорского художника.
Родом из с. Маканчи Восточно-Казахстанской области Болат Исин уже много лет успешно работает в г. Усть-Каменогорске. Здесь прошли его многочисленные художественные выставки, здесь художник занят творческой работой в ТОО " Терме", где он со своей супругой Куляш Акашевой, тоже членом Союза художников Республики Казахстан, вот уже много лет возрождает и развивает казахское национальное искусство. Чапаны, расшитые мастерицами из ТОО 'Терме" по эскизам Б. Исина, не стыдно набросить на плечи Президента республики или подарить самым высоким гостям. Основное направление работы художественно-производственного предприятия - изучение и воссоздание национальной одежды. Каждый заказ проходит творческое, всестороннее обсуждение. Главный художник Болат Исин следит за тем, чтобы ни один элемент орнамента не был псевдонародным. Открыт трикотажный цех, мастерицы которого участвовали в различных дефиле и на Милениум Пати в Астане впервые представили национальную одежду и вечерние трикотажные платья. В апреле 2001 года коллектив фирмы "Терме" стал лауреатом Республиканского фестиваля "Казастаннын белгиси" в Астане и получил "Золотой знак качества" за швейные и трикотажные изделия.
Производственной фирмой "Терме" выполнено внутреннее оформление и изготовление предметов прикладного искусства в отделе казахской этнографии областного музея, Доме-музее Ч. Валиханова в селе Сырымбет Кокчетавской области, усадьбе великого Абая в Жидебае под Семипалатинском. В Алматы был выигран тендер на пошив национальных костюмов для районных ДК, к юбилею Жамбыла. Усть-Каменогорский казахский театр с удовольствием использует в своих спектаклях театральные костюмы, пошитые в "Терме".
Наряду с производственными делами не забывает Болат Исин и художественное творчество. Имея свою творческую мастерскую в Доме художников, долгими ночами, по выходным, он наслаждается поиском сочетаний цвета в своих композициях. Художник в вечном движении. Он играет цветом, формой, использует новые материалы. Не забывая классические формы живописи, находит современные способы самовыражения. И всегда, при растущем мастерстве, неизменной остается сущность художника, его любовь к родной земле.

Г.КУМАРГАЗЫ
член Союза художников РК, искусствовед.

Отдел краеведческой информации - Изобразительное искусство

СЛОВНО СОЛНЦЕМ ОЗАРЕННЫЙ...

Он много и успешно работал, хотел многое успеть. Но неожиданно жизнь Марата Жунусова оборвалась. Остались только его картины и воспоминания о нем...
Тяжело говорить о друзьях детства в прошедшем времени. В далекие 60-е годы при Доме пионеров существовала Страна Детства. Там велась кропотливая ежедневная работа по воспитанию у детей чувства любви к Родине, к прекрасному, к творчеству, умению активно и плодотворно жить и работать. Каждое лето выезжали юные художники на пленэр, спортсмены - в летний оздоровительный лагерь. Иногда это совмещали, и такие выезды запоминались ребятам на долгие годы: песни у пионерских костров, печеная картошка, спортивные победы, прикосновение к Природе, яркие этюды.
Мы, малыши, с благоговением смотрели на своих старших друзей: Толик Меркасимов, Толик Щур, Витя Псарев, Гена Прокопович, Леня Зайцев, Оля Кузнецова и Марат Жунусов. Они, на равных со своим Учителем Ефимом Наумовичем Годовским, рассуждали о цвете, композиции, сюжете. До хрипоты спорили у летних костров и до одури писали этюдь! на пленэре, и так же ответственно, как натюрморты в студии. Славно они трудились и умели от души повеселиться. А Ефим Наумович, прищурив глаза с хитринкой и облокотившись на свой костыль, внимательно их слушал да одергивал иногда. Было видно, как он гордится своими учениками. Что бы ребята ни делали, разговор всегда возвращался к обсуждению художественных работ или статьи, кем-то прочитанной. А то вспоминали великих художников и говорили об их творчестве, размышляя вслух, стараясь перещеголять друг друга в изысканных выражениях и профессиональных словечках. При этом добродушно наблюдали, как мы, малыши, старались не пропустить ни единого их слова.
Много воды утекло с тех пор. Толика Меркасимова уже тоже нет, но работы его хранятся в фондах Государственного музея имени Кастеева и Дирекции художественных выставок в г. Алматы, в частных коллекциях в Москве, Ленинграде, Алматы, Усть-Каменогорске. Виктор Псарев в Москве, работает в знаменитой студии имени Грекова. Ольга Кузнецова тоже в Москве. Марат Жунусов жил в Караганде и в редкие свои приезды в родной Усть-Каменогорск привозил нам каталоги о своих выставках в Германии и Караганде. Анатолий Щур и Леонид Зайцев творят в тиши своих мастерских, готовя свои персональные выставки и думая о том, что скоро будет столетний юбилей Ефима Наумовича Годовского. Мы мечтаем собрать работы всех студийцев и в память о нем сделать выставку "Учитель живет вечно!"
Марат Жунусов, о котором сегодня хочется рассказать особо, родился 3 января 1947 года в Усть-Каменогорске. После школы, в 1962 году поступил в единственное тогда в Казахстане Алматинское художественное училище, Учился у знаменитых живописцев А. Галимбаевой и М, Кенбаева. Приезжая на каникулы домой, в первую очередь, шел в Дом пионеров к Ефиму Наумовичу Годовскому, чтобы показать новые работы, поделиться новостями и посоветоваться о будущем. Ведь Ефим Наумович не всегда был руководителем детской художественной студии. Когда-то он блистал в художественных кругах Москвы. Потом воевал в той страшной Великой Отечественной войне. Работал декоратором в Большом театре. Он, как никто другой, мог указать правильный путь в выборе следующего шага своему ученику. Поэтому после пяти лет обучения в училище, Марат поступил в Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. Репина в класс профессора А. Зайцева. Штудировал тонкости школы русского реализма, увлекаясь абстракционизмом. В Ленинграде, на улицах и площадях, в тишине музеев и мастерских современных художников, где работали мэтры, шел непрерывный процесс обучения парня из далекого Казахстана, В 1974 году он уже сам преподавал в Алматинском художественном училище. Через год уехал с семьей в Караганду и редко, только в гости, приезжал к нам в Усть-Каменогорск. Чаще он ездил в Германию, Питер.
Я открыла для себя художника Марата Жунусова в 2000 году, в Центральном выставочном зале г. Алматы, во время проведения там персональной выставки семипалатинского художника Г. Макарова. В соседнем зале экспонировалась выставка работ Карагандинских художников и среди них - картины Марата. Тогда меня поразила его животрепещущая живопись. Нервные мазки создавали вихрь на плоскости холста, словно хотели вырваться за пределы картины, художник о чем-то громко и надрывно мне говорил, а я была ошеломлена и ничего не понимала. Буйство и контраст цвета, острые углы линий и много черного в его картинах... Я помню его студийные работы, полные света и добра. Марат из моего детства, такой спокойный и веселый парень, и автор этих работ были совершенно разные люди. Организаторы той выставки может случайно, а может, и нет, выбрали самые яркие и динамичные его работы последних лет. Такого Марата я не знала...
А теперь я брожу в тишине зала музея искусств, где экспонируется вторая по счету его персональная выставка в родном Усть-Каменогорске. Здесь есть и незначительные работы художника, в которых прослеживается явное влияние Шагала, Сезана, Сарьяна. И, конечно же, работы, в которых мастерство, идея и стиль только Марата Жунусова.
"Осенний этюд" (1986 г.) написан в лучших традициях реалистической школы. В этой работе чувствуется покой и  чистота раннего периода творчества художника. Вместе с автором зритель любуется совершенством и красотой природы, Полотно очень похоже на студийные работы молодого художника, времен Ефима Наумовича Годовского, но "Осенний этюд" написан уже мастером ленинградской школы. Проходят годы, и в 1991 - ом художник начинает настойчиво работать над темой Солнца. В отличие от общепринятого воспевания казахстанскими художниками восточной луны и всего, что с этой темой связано, Марат пишет яркое Солнце, в его картинах присутствует торжество света и жизни. В данной экспозиции представлены две работы под одним названием "Жители Солнца". Почему жители Солнца? Не оттого ли, что он сам жил, словно солнцем озаренный? С ним рядом всегда было тепло и радостно. На картинах видим летящие к Солнцу тела — протуберанцы. Они в вечном движении, их лики повернуты к зрителю, они пристально, но по-доброму смотрят на нас, словно прощаются. Художнику удалось передать удивительное ощущение полета бестелесного духа и чистой своей фантазии.
Этого вечного движения к свету, теплу и добру. Видно, не случайно он снова и снова обращается к этой теме. Но не бывает в этом мире яркого света без кромешной тьмы. Картины ;'В плену", "Генри Фольгер", написанные в 1996 г., говорят об особенной тревожности этого периода для всей страны и самого художника. Темный колорит, тревожные, гротесковые, ломаные линии в этих работах по особенному подчеркивают свет на солнечных работах в экспозиции Марата Жунусова.
А картина под названием "Люди в тумане" говорит о поиске художником своих корней. Кто мы, откуда и зачем пришли? Еще есть проблески солнечных, пятен на скорбных лицах героев, но всю картину заволакивают тучи сомнений и переживаний образов, написанных художником, хаосом случайных пятен и скупостью колорита. Во всем ощущается тяжелый поиск истины самим автором, его личные сомнения и переживания. В том же году написана одна из самых серьезных работ в данной экспозиции, под названием "Три горы". Большого размера, вытянутая горизонтально, картина захватывает внимание зрителя сразу. Загадочные знаки на холсте, словно случайные символы, яркие пятна, при близком рассмотрении не о чем не говорящие. И лишь при пристальном рассмотрении с определенного расстояния оживают на холсте горы, наскальные рисунки, плывут куда-то облака, создавая на полотне марево движения, ощущается дыхание чистого горного воздуха. Угадываются очертания наших восточноказахстанских гор. Как же он, видно, тосковал по своей Родине, по нашим сказочным горам! Это могут быть Сибины или горы Аиртау, в простонародье называемые Монастырскими, а может быть, это Горная Ульбинка, куда в детстве каждое лето вывозил Ефим Наумович своих учеников, на незабываемые пленэры. На картине резкий склон горы пересекает холст почти из угла в угол, на ней ломаной линией нарисованы вершины гор, и словно плывут через них века - пушистые облака, цветными пятнами приоткрывая тайну неразгаданных рисунков на скалах. Другая, не менее значимая картина в экспозиции Марата Жунусова, называется "Аттила - вождь гуннов". Из темноты холста, словно из глубины веков, нарочито по-школярски написан художником знаменитый предок казахов, пред-водитель гуннов с 434 г., дошедший до Рима, При нем гуннский союз племен достиг наивысшего могущества. А это - прямые предки современных казахов. В картине ощущается гордость за своего предка.
Особо хочется отметить работу под названием "Поцелуй", написанную художником в 1999 г. Сюжет картины прост. Мальчик лежит на крыше, где только он, небо и его любимая птица. В свободной позе хозяина и властителя кормит он свою сказочную птицу, похожую на голубя. Лицо малыша светится блаженством, и слышится из глубины холста нетерпеливый "говор" птицы. Картина играет всеми цветами радуги, наполнена светом, воздухом и высотой неба. От полотна веет теплотой и счастьем безмятежного детства! Таким и останется у нас в памяти художник Марат Жунусов, родившийся и прошедший школу Ефима Наумовича Годовского в Усть-Каменогорске и потом, во взрослой жизни, изредка приезжавший в свой родной город в гости.

Г. КУМАРГАЗЫ
член Союза художников Республики Казахстан. Искусствовед

Отдел краеведческой информации - Изобразительное искусство

"АЛТАЙ КОЛЫБЕЛЬ МОЯ..."
Новый сезон в ВК Музее Искусств открылся юбилейной выставкой члена Союза художников СССР, заслуженного художника России Николая Павловича Долбилкина.

Выставке дано название "Алтай - колыбель моя", что глубоко символично и вполне оправдано.

В этом году исполнилось 80 лет замечательному человеку, художнику-мыслителю Николаю Долбилкину. В настоящее время Николай Павлович живет и работает в России, в городе Хабаровске, но родился и вырос он на Алтае, в городе Лениногорске, которому ныне вернули его первоначальное название - Риддер.
В семье, где рос будущий художник, свято чтили и поддерживали обычаи и традиции русских крестьян-старообрядцев. Уклад жизни сохранял еще свою колоритность и солнечность. Так же ярко, во всем великолепии сверкали краски природы Восточного Казахстана.
"Очень рано, - пишет художник, - как только начал себя осознавать, я ощутил, что жизнь моя должна быть связана с изо¬бразительным искусством, с живописью. Впечатления от природы - чистых горных потоков, ежеминутно меняющегося неба, трав, цветов, мощных гор, поросших лесом, и далеких "белков" - так называют на Алтае заснеженные горные вершины, - эти зрительные впечатления детства обостренно воспринимались моим сознанием...
Природа и рукотворный мир русского старообрядческого уклада давали богатую пищу для моего зрения. Рушники, прялки, яркие тканые ковры, цветные шали - это был мир народного творчества, всегда мажорного, радостного, жизнеутверждающего!"
Первые уроки по искусству Николай Долбилкин получил в Лениногорске у талантливого архитектора, художника и педагога Франца Феликсовича Иванчука, основателя городской изостудии. Здесь же он окончил среднюю школу. В начале Великой Отечественной войны работал на руднике, а затем добровольцем ушел на фронт. Прошел всю войну в танковых войсках, участвовал в боях с японской армией в Манчжурии, Китае. Имеет награды - орден "Великой Отечественной Войны", три медали "За отвагу", медаль "За боевые заслуги".
В 1949 году Н. Долбилкин поступил в Московский институт декоративно-прикладного искусства на факультет монументальной живописи. В нем преподавали такие известные художники как Дейнека, Соколов-Скаля, Шухмин и другие. Это было время накопления внутреннего духовного потенциала.
После третьего курса Н. Долбилкин переводится в Ленинградское высшее художественно-промышленное училище имени В. Мухиной, которое с отличием заканчивает в 1955 году, получив специальность художника монументально-декоративного искусства. Затем едет по направлению в Комсомольск-на-Амуре и там воплощает в жизнь свою дипломную работу - мозаичное панно "Молодость и борьба", общей площадью 200 квадратных метров. Мозаика находится в мемориальном зале Дворца культуры судостроителей. Три года посвящает молодой художник этой грандиозной работе, в которой каждый квадратный сантиметр мозаичных панно выложен его руками. Выполнял мастер все это, будучи в должности рабочего-бетонщика, так как в конце 50-х начале 60-х годов в СССР боролись с архитектурными "излишествами", и художник не был положен по штату при строительстве и оформлении здания Дворца культуры.
Первая персональная выставка Н. Долбилкина прошла в 1959 году в Комсомольске-на-Амуре. А уже в следующем году он принимал участие в выставке "Художники-монументалисты России" в Москве. В 1961 году Николай Павлович становится членом Союза художников СССР. Вторая персональная выставка художника проходит в 1966 году в Ленинграде.
В том же году, волею судеб, он оказался в г. Хабаровске, где и проживает в настоящее время. Художник постоянно участвует в зональных, республиканских, всесоюзных выставках, в 1973-1975 годах возглавлял в Хабаровске областную секцию Союза художников СССР.
В 1980 году мастер достаточно длительное время жил на Рудном Алтае. Этот период в его творчестве очень плодотворен, было создано множество портретов и этюдов. Художник не был на малой Родине 25 лет. Встреча с родными местами стала потрясением, по его собственному признанию. Иначе и быть не могло: природа Алтая покоряет и очаровывает с первого взгляда! Ее трудно с чем-либо сравнить, любоваться сменой состояний, богатством гаммы цветов, мягкостью и прозрачностью алтайского воздуха можно бесконечно долго.
"Художник на Алтае для своего творчества может найти и тихие лирические уголки, и, наоборот, мотивы панорамного характера с огромным охватом пространства",-пишет Николай Павлович.
В этом же 1980 году в Лениногорске, во Дворце культуры Полиметаллического комбината, прошла выставка картин художника Долбилкина, ставшая большим событием для горожан...
Прошло более 20 лет. В городе Риддере по-прежнему живут и трудятся друзья художника. Многие из них считают его своим наставником в живописном искусстве. Это такие художники, как Ю,Г. Хабаров, М.Ф. Петрачкова и А.А. Леонов, который вот уже несколько десятилетий дружен с Николаем Павловичем, многому научился у него, с огромным уважением и восхищением говорит о своем старшем друге, коллеге, наставнике.
А город Риддер украшен монументалъными работами Н. Долбилкина. Бассейн профилактория горно-обогатительного комбината ОАО "Казцинк" украшают два великолепных мозаичных панно "Ландшафты Алтая", площадью более 200 квадратных метров. Фасад здания профилактория декорирован мозаиками на темы спорта и Родины. Жарки-ми самоцветами Алтая сверкает в солнечный день разноцветная смальта огром¬ных мозаичных картин (около 150 квадратных метров). Изумительная по глубине мысль венчает изображение: "Спорт - это стремление не отставать телом от движения Света, излучаемого нашим Разумом". Мозаики воплотились в жизнь и украшают город благодаря огромной поддержке, усилиям и энергии генерального директора Лениногорского ПМК И.И. Думанова и директора по кадрам П.И. Польского. Интерьер помещений профилактория и кафе Дворца культуры Риддерского горно-обогатительного комбината также оформлен пейзажами и цветочными композициями, выполненными художником.
В 1986 году в г. Усть-Каменогорске прошла персональная выставка мастера, и по окончании ее художник подарил городу 120 картин-портретов, пейзажей, натюрмортов. Дар поистине бесценный!
Н. Долбилкин - человек удивительной трудоспособности. В свои 80 лет он бодр, активен, по-прежнему создает живописные и графические произведения. В настоящее время работает более всего как живописец. Художник так говорит о себе: "Я сын своего народа, - судьба моя и творчество неразрывно связаны с русской традицией, ее национальной самобытностью".
Мастер предпочитает полновесную красочную палитру, где декоративность цвета ничем не погашена, а чистые, первозданные краски находятся в гармоничных, мажорных соотношениях. И поэтому все работы художника ярко самобытны, очень выразительны, полновесны по цвету и глубоко правдивы. В своем творчестве он обращается к различным жанрам изобразительного искусства. В пейзажах благоговеет перед природой. И в то же время они не являются зарисовками, зеркально отражающими натуру, но воссоздают ландшафтный портрет, где цветовые симфонии имеют свой особый строгий лад. Натюрморты художника приобщают к радости и земной красоте, явленными в изобилии. Цветы и плоды, предметы и ткани видятся в них, как сгущенные пятна цвета в аккордах фанфарно- праздничного звучания. Художник своей кистью воспевает хвалу миру, как Богом выстроенному Мирозданию.
В жанре портрета живописец отмечает у себя глубокое влияние русской фресковой живописи и иконописи. Вопреки европейской традиции пространства, уходящего в глубь, художник придерживается в работе над портретом принципа скульптурного рельефа, как бы наращивая изображаемые образы в направлении зрителя. Лепка лица делается живописно, при этом возрастает значение цвета, он имеет смысловую наполненность и символическую значимость.
Художник Евгений Короленко характеризует портретные этюды Н. Долбилкина, как динамичные, совершенные: "Он творит этюд с человека красками, проецируя их через свое духовное мировоззрение, через собственную энергетику. И краски сверкают, как сгустки планетных лучей!"
И портреты поражают силой воздействия. И не лица, но лики создает художник, и не глаза, но очи - зеркало души - льют свой свет на нас!
Подобно античному Диогену, который днем ходил с фонарем и на вопросы горожан, что он делает, отвечал: "Ищу человека!", Н. Долбилкин открывает нам лики своих современников - образы высокой духовности, потрясающей внутренней силы и мощи характеры.
Сам художник так говорит об этом: "Написанные мною портреты- это книга Бытия, выраженная ликах". Воистину это так!
Интересно высказывание самого мастера и о его женских портретах: "Галерея женских портретов - это мое понимание жизни. Женская тема - великая тема, тема необъятная, как Вселенная. Мне удалось запечатлеть малую толику и представить моему зрителю".
Совершенно логично из всего этого вытекает жизненное кредо художника: находиться на служении. Служении подлинному искусству, которое несет в наш сложный и противоречивый мир идеи Добра и Совести, идеи служения народу и государству. Ибо только подлинное искус¬ство способно противосто¬ять разрушительным силам, ненависти и насилию. Именно в этом гуманистическом искусстве, охраняющем нравственное здоровье и духовное богатство, сейчас более всего нуждаются люди.
Искусствовед Людмила Тарнид называет Николая Долбилкина человеком большой Души и великого Терпения, живописцем Великого Дара, художником-мыслителем. Сам мастер, поддерживая тесные связи со своими друзьями, с Музеем Искусств, пишет в письмах так: "Жду приезда на Малую Родину, чтобы иметь возможность еще раз поклониться земле, которая меня воссоздала и вдохновляла для творческой жизни... Малая Родина и в старости остается колыбелью...".
Восточно-Казахстанский Музей Искусств обладает удивительной по ценности коллекцией портретов современников кисти художника Н. Долбилкина. Картины его находятся в галереях и частных коллекциях России, Казахстана, Японии, Китая, Израиля.
Жители города могут гордиться своим великим земляком и имеют счастливую возможность любоваться его творчеством, в котором всегда живут Свет, Добро, жажда Радости Бытия.

Т.Луцкая ВК Музей Искусств

Отдел краеведческой информации - Изобразительное искусство

НИКОЛАЙ АШТЕМА: "Я ЛЮБЛЮ ЭТОТ МИР!"

Самый большой комплимент для выставки, когда, покидая ее, говорят, что мир стал выглядеть иначе. Именно такие ощущения приходили к посетителям ВК Музея Искусств после просмотра персональной юбилейной выставки члена Союза Художников СССР и Казахстана, профессора Николая Павловича Аштемы, искусство которого не только еще раз доказало, что тема истории и красоты родной земли неисчерпаема, но и обогатило казахстанскую культуру в целом.
Может быть, впервые столь широко, даже триумфально, было показано творчество этого незаурядного, самобытного художника, обладающего сильной и мощной кистью. Выставка подвела итог определенному периоду творческой деятельности, покорила мятежным темпераментом художника, разнообразием романтики и жанров, а также явилась открытием нового живописного мышления, духовно-нравственной философии.
Николай Аштема родился 5 декабря 1942 г. в красивейшем селе Червонная Долина Кировоградской обл. Украинской ССР, в семье колхозников. Поступил учиться в Бехтерский мелиоративный техникум, хотя, как у большинства художников, любовь к рисованию проявилась еще с пятилетнего возраста. До сих пор он помнит, как в тяжелое послевоенное время крестный отец подарил ему тетрадку и цветные карандаши.
Армейские годы он провел на Кубе, где успел написать около двадцати пейзажей и несколько портретов. Несколько профессий пришлось сменить Николаю Павловичу: был маляром, инспектором Госстраха, работал начальником планового отдела в строительной организации. Получил высшее экономическое образование, но только в 1975 г. у него появилась возможность поступить в Алма-Атинское художественное училище им. Гоголя. К счастью, он попал к таким преподавателям, как П.Л. Дубров, В.П. Поляков, А.А. Аканаев, считавших своим долгом не только давать необходимые знания ученикам, но и пробуждать в них горячую любовь к искусству.
В 1979 году, с отличием, заканчивает Николай Аштема" училище и по рас-пределению, вместе с семьей, приезжает в Усть-Каменогорск. Работает в художественно-производственных мастерских Художественного фонда Каз. ССР.
Большая жизненная энергия и готовность поделиться своими профессиональными знаниями привели его в 1980 г. к руководству изостудией художников-любителей. Больше 20-ти лет Николай Павлович занимается этой, казалось бы, не основной своей деятельностью. Заложенная природой жажда жизни, общительность, готовность в любой момент прийти на помощь, строгое, но справедливое отношение к творчеству начинающих художников превратили для них изостудию во второй родной дом. Кроме этого, Н. Аштема активно занимается выставочной деятельностью, участвует в областных, республиканских, всесоюзных и международных выставках. В 1987 г. он становится членом Союза Художников СССР.
Несмотря на занятость, художник всегда уделял много внимания воспитанию своих троих детей. Думается, каждому человеку приятно услышать от своих взрослых, состоявшихся как личности, детей, что лучшего отца им и представить трудно. Именно эти слова говорят о своем отце дети Николая Павловича Аштемы.
С 1999 г. он преподает рисунок и живопись в ВГИ. Успехи талантливого и неординарного художника и человека были отмечены в нынешнем году премией акима ВКО в номинации "Изобразительное искусство".
Но вернемся к выставке. Это была шестая персональная выставка худож-ника. И каждый раз творчество тонкого психолога и проницательного наблюдателя пробуждает в нас чувство какого-то беспокойства, подобного состоянию внезапной влюбленности. Эмоциональное воздействие его пейзажей таково, что они запоминаются надолго и узнаются всегда.
Художником невозможно стать без умения надолго оставаться наедине с природой, без сосредоточенности и наблюдательности за ее внутренней жизнью. Этому Николай Аштема научился еще в детстве. Гармоничное слияние с миром природы роднит его живопись с музыкой. Пейзажи "Озеро Маркаколь", "Утро на Бухтарме", "Предгорья Тарбагатая", "Бухтарма", "Над Иртышом", наполненные вибрирующим светом, звучат как часть вечного потока времени.
Мастер известен и как увлеченный и виртуозный акварелист. За многие годы работы в этой технике художник достиг яркой поэтической манеры, воздушности и легкости письма: "Восхождение луны вблизи Аир-Тау", "Белуха. Утро". Только так артистично и свободно владея техникой, можно передать в акварелях - "Березовая роща", "Березка", "Горная Ульбинка" -собственный трепет от картин природы. Именно поэтому понятна общая линия его творчества, идущая из глубины отечественной пейзажной живописи, и очевидна его поэтическая индивидуальность.
С годами жизнь человека заполняется разнообразными воспоминаниями, окрашенными богатой гаммой чувств и переживаний, возникших из пробужденного сознания и опыта прожитых лет. Так возникли работы "Вечность", "Отчаяние", "Богоматерь", "Клятва на Коране", "Память".
В спонтанном порыве творчества художник создает новую реальность, некое аномальное, напряженно живущее пространство: "Сие уже было", "Протест", "Мой белый город".
Эстетом, мистиком, лириком предстает перед нами художник в сюжетно-тематических композициях: "Поединок Кабанбая с джунгарским найоном", "Вечность", "Нашествие", в которых и боль, и страх, и надежда сливаются в едином вихре красок, кадров, линий. Этот вихрь заставляет отвлечься от личного, оторваться от бытового цейтнота и обратиться к общечеловеческому.
Образной экспрессией и высокой ис¬полнительской культурой отмечены графические листы: "Джунгары", "Война", "Расстрел". Контрасты света и тени, выразительность темных силуэтов, внушительность движущейся массы людей придают картинам особую впечатляющую силу.
Глядя на серию работ - "Томирис - царица массагетов", "Аттила - сын Великой степи", "Чингиз-хан - потрясатель Вселенной", "Брачная ночь с Ильдико", "Смерть Аттилы", "Рустам и его конь Жель"", непроизвольно возникает вопрос: "Где берет начало великое творение искусства?" Не в мучительном ли раздумье и творческом поиске, не в бесконечном ли труде и мгновенном озарении, следы которого остались на полотнах художника?"
Кроме глубокого содержания хочется отметить высокий профессионализм работ - стремительные учащенные ритмы, убедительную точность импровизационной манеры, содержательность нервных следов кисти или карандаша.
Сам Николай Аштема так говорит о своей творческой позиции: "Для меня стало со временем очевидным, что в искусстве чувство руководит разумом, и диалектически этот творческий процесс очень напряженный и напряжен до болезненности".
Мастера не устраивает взгляд на картину как на некое сугубо интимное самовыражение, как единственный и уникальный случай самораскрытия в иллюзорной плоскости холста. Напротив, система его не замкнута, а подчинена определенной временной структуре, в которой и художник, и зритель должен обобщать, отстраняясь от минутного, от изображенной ситуации. Обобщать цвет, свет, линию и пятно.
Художникам труднее всего даются картины со сложными композициями, и последняя серия работ еще раз убедительно доказала, что Н.П. Аштема - мастер высокого класса, по праву считающийся одним из лучших художников Восточного Казахстана.
Для нас Николай Аштема является носителем изначальной жизненной мо-щи, свободы, обновляющего начала, связанного с культом молодости - жизни, начинающейся заново.

Я.Шматова научный сотрудник Музея Искусств